Владимир Крылов

О вкладе России в духовное развитие человечества в ХХ веке.

“И кто сделает вам зло, если вы

будете ревнителями добра”.

Святой апостол Пётр.

Сегодня широко распространенно мнение многих учёных и критиков о состоянии и развитии русской духовной культуры в ХХ столетии, в частности в области изобразительного искусства. Существо такой точки зрения состоит в следующем: в начале ХХ века российская культура дала миру ряд замечательных художников – авангардистов. Они открыли для человечества новое современное искусство. Но то был последний всплеск. Творчеством художников – авангардистов начала ХХ века вклад России в духовное содержание человеческой цивилизации в ХХ веке был исчерпан. Возможно навсегда.

Это очень серьёзное и жёсткое заявление, направленное в адрес нашей страны и нашего народа. Поэтому невозможно оставить такое мнение без внимания. Давайте вместе с вами посмотрим, как всё обстоит на самом деле, разумеется, на этот раз с нашей точки зрения.

Конечно, мы не можем обойти стороной состояние самой искусствоведческой науки, работники которой высказывают подобное суждение. И совершенно поразительным фактом является то, что господа, делающие такое серьёзное заявление, на самом деле, вообще не знают, что можно отнести к области искусства и духовной культуры, а что является какой-то другой областью человеческой деятельности. Они не имеют сколько-нибудь аргументированного определения искусства. То есть у этих учёных совсем отсутствуют какие-либо критерии, на основании которых они могут проводить свои исследования, делать свои выводы и иметь сколько-нибудь весомое мнение вообще. В таких условиях, любое самое тщательное, самое полезное, самое интересное и самое блистательное локальное исследование будет носить характер личных симпатий или личных вкусовых предпочтений частного характера. Раз нет определения искусства, значит, нет никакой возможности определить, принадлежит ли вообще предмет вашего исследования к области искусства или вы исследуете неведомо что. Если у вас нет определения искусства, вы никогда не сможете сказать, какое произведение или творчество какого художника имеет наибольшее или наименьшее значение в области искусства. И, наконец, без определения искусства, у вас нет никаких оснований считать свои исследования, строго говоря, научными. То есть ваше мнение всегда останется только мнением, которое ничего не доказывает, и которое легко поставить под сомнение.

Результаты такого несчастного состояния современного искусствознания совершенно определённо проявляются на конкретной научной деятельности наших оппонентов. Эти исследователи совершенно серьёзно считают, что сушилка для бутылок господина Дюшана и портреты Рембрандта принадлежат к одной области человеческого творчества.

Они не могут понять, что стул Гюнтера Юккера со всеми вбитыми в него гвоздями чем-то принципиально отличается от скульптур Родена.

Они не могут доступно и основательно объяснить, в чём разница между квадратами Малевича и фресками Сикстинской капеллы.

Они даже не чувствуют, что стихи Пушкина не могут оказаться в одной компании с листом чистой писчей бумаги из “Поэмы Конца” Гнедова, а картина Эль Греко и пустая рама на стене музея современного искусства это не одно и тоже. Ситуация поразительная. Оказавшись в такой ситуации, в сущности, вообще не возможно высказывать какое-либо мнение. Но этого, кажется, никто не замечает.

И чтобы как-то выбраться из такого нелепого положения, наши исследователи духовного творчества безо всякого смущения объявили всё, о чём они что-то знают или что-либо когда-нибудь слышали в связи со словом художник или творчество, несомненно, принадлежащим области прекрасного искусства. По их мнению:

Fine art – это картины Делакруа, Рафаэля и Сурикова.

Fine art – это супрематизм Малевича и композиции Кандинского.

Fine art – это кубизм Пикассо.

Fine art – это оп-арт, поп-арт, конструктивизм, концептуализм и дизайн.

Fine art – это всё, что хотите.

Какая замечательно удобная позиция.

Художник повесил перед чистым холстом несколько обыкновенных воздушных шариков, заполненных растворами разных красок, отошёл на несколько шагов и выстрелил по шарикам из пистолета. Брызги разлетелись в разные стороны, часть из них попало на холст и на холсте получилась хаотичная декоративная композиция. С точки зрения наших учёных – это Fine art, и, в принципе, ничем не отличается от шедевров Тёрнера.

Другой художник расстелил на полу мастерской большой белый холст, нанял нескольких натурщиц и окунул их обнажёнными в большие ванны, которые были заполнены растворами разных красок. Потом наш художник попросил своих натурщиц в таком испачканном виде упасть на расстеленный чистый холст и покататься по нему. Опять получилась хаотичная декоративная композиция, которая, по мнению наших учёных, и есть самый, что ни на есть Fine art, который, в принципе, ни чем существенным не отличается от картины Энгра “Большие одалиски”.

Перемешав вместе эротику, дизайн, товарные знаки и этикетки, рекламу и заполняющие досуг развлекательные шоу и, разбавив всё это редкими произведениями духовной культуры, наши исследователи не почувствовали решительно никаких неудобств. Они совершенно уверены, что всё это проявления одной и той же области человеческой деятельности. Какая вопиющая исследовательская беспомощность, и какой конфуз. И учёные такого уровня берут на себя ответственность и смелость решать кто, почему и в какой степени помогал развитию общечеловеческой культуры.

Какие же критерии нам предлагаются?

Представьте себе, что вам нужно оценить качество пальто, которое вы увидели в магазине.

Можно оценивать это пальто по его соответствию сегодняшней моде.

Можно - по его удобству и практичности.

Можно рассматривать качество пальто по тому, насколько оно защищает вас от превратностей погоды.

А можно оценивать это пальто, рассматривая, насколько ярко блестят у него начищенные пуговицы.

Именно такой критерий, как самый основной и решающий, предлагают нам для оценки произведений искусства, упомянутые нами авторы, искусствоведы и критики. Если художник купил себе пальто, чтобы защититься от непогоды, но забыл начистить пуговицы, мы имеем дело со слабым и неинтересным художником. Если пальто неказисто и промокает, но пуговицы начищены и сияют, перед нами великий художник. Примерно так рассуждают эти исследователи самой тонкой и самой сложной области человеческой деятельности – искусства.

Они объявляют мастером портретной живописи Энди Уорхола, а он самыми обыкновенными приёмами штатного художника – оформителя раскрашивал увеличенные фотографии.

Они провозглашают Пабло Пикассо основателем нового искусства, отказавшегося от предмета и сюжета, а многочисленные, если не все, произведения этого художника переполнены и сюжетами и предметами.

По их мнению, Мэрилин Монро – великая актриса и самая красивая женщина прошедшего столетия. Но любой мужчина может вспомнить нескольких женщин, которые не уступали Мэрилин женской привлекательностью. Любой почитатель театра и кино может назвать десятки актрис, которые превосходили Монро своими актёрскими возможностями. И мы можем назвать, по крайней мере, несколько женщин – актрис, которые не уступали Мэрилин Монро и по своим физическим данным, и превосходили её по уровню актёрского таланта. Но у Монро превосходно начищены пуговицы – проведена успешная рекламная компания, которая позволила энергичным менеджерам заработать на этой симпатичной и не слишком одарённой актрисе целые состояния.

Таких примеров можно привести великое множество. Вся система современных критериев оценивающих искусство строится по принципу начищенных пуговиц. И с этих позиций сторонники такой системы дают оценки художникам, артистам, режиссёрам, композиторам, писателям и представителям других творческих профессий всего мира. По нашему мнению - это чудовищно. И чтобы преодолеть нелепость и пагубность такого положения мы с вами вынуждены сформулировать определение искусства, а на основе такого определения предложить и свою классификацию творческих произведений. Именно такая попытка предпринята автором этих строк в книге “Определение искусства и перспективы человеческой цивилизации” в подробном изложении и с точки зрения гуманитарных соображений, и с точки зрения теории физического вакуума, и с точки зрения второго начала термодинамики. А в рамках статьи мы можем рассмотреть только некоторые и очень краткие выводы из этих размышлений.

По мнению автора, из всего множества творческих произведений можно отнести собственно к искусству только те произведения, которые способствуют развитию человеческой духовности. Все другие произведения могут иметь сколь угодно большое сходство с произведениями искусства, но, по существу, будут заниматься совершенно другими проблемами.

Например, красота, по мнению автора, – есть проявление в жизни совершенных законов совершенного Творения. В этом смысле красота присутствует во многих областях человеческой деятельности и не может считаться качеством, характеризующим именно и только искусство. Красивые предметы, приятная музыка, изысканные литературные тексты вполне могут не иметь с искусством ничего общего по существу при несомненной внешней похожести на них.

Произведения искусства часто доставляют истинное наслаждение, но если наслаждение, которое человек испытывает от контакта с творческим произведением, носит оттенок вожделения или физиологического удовольствия, то это верный признак того, что данное произведение находится вне области искусства. Даже если такое произведение очень похоже на произведение искусства и пользуется успехом у публики. К слову сказать, это давным-давно заметил и объяснил Кант.

Легко увидеть, что все виды искусства развились на почве только двух сенсорных чувств, присущих человеку. Только зрение и слух создают основу для всех видов искусства. Но зрение и слух, как физический механизм, являются волновыми структурами и именно в силу этого обстоятельства, они создают условия для передачи не только физиологической информации. Только поэтому открывается возможность для выращивания и развития человеческой духовности, которая может существовать, например, в виде волновой структуры. И только такой процесс возделывания и увеличения человеческой духовности есть единственная цель и единственное оправдание существования всего нашего трёхмерного мира со всеми его галактиками, планетами, материками, природой и человечеством.

Присутствие человеческого переживания, как инструмента развития и выращивания человеческой духовности, есть необходимый и достаточный признак принадлежности любого творческого произведения к области искусства. Человеческое переживание – есть проявление развивающейся человеческой души, соприкоснувшейся с произведением искусства. Оно, в этом своём качестве, отличает искусство от всех других видов человеческой деятельности.

Такое человеческое переживание отличает человека от мира животных. Животные испытывают ощущения. Человек испытывает ощущения, которые иногда перерастают в человеческое переживание. А само человеческое переживание присуще исключительно и только человеку.

Любой жанр, любой стиль и даже целая эпоха в искусстве неизбежно завершается и умирает потому, что в его рамках исчерпаны все возможности открытия, исследования и развития новых сторон человеческого переживания, а, следовательно, и новых граней человеческой души.

Выращивание человеческой духовности – есть тот вид деятельности, который принадлежит только искусству. Весь комплекс индивидуальной человеческой жизни, который, разумеется, накладывает отпечаток на структуру индивидуальной человеческой души, в первую очередь, занят проблемой физического выживания человека в окружающем мире. Только искусство, не обременённое физиологией, целиком направлено на изучение и фиксацию человеческого переживания и, с помощью этого инструмента, на выращивание и развитие человеческой духовности. Вот что составляет ту самую специфическую задачу, которая отличает искусство от труда, спорта, игры, воспитания и т.д.

Задача художника – почувствовать некое движение человеческой души – человеческое переживание и сознательно или интуитивно, но столь сильно воспроизвести это человеческое переживание в своём произведении, чтобы заразить им любого человека, соприкоснувшегося с этим произведением и, тем самым, способствовать развитию духовности окружающих людей.

Критерий значительности произведения искусства – в глубине и силе человеческого переживания. Чем большее количество людей откликнется на контакт с произведением искусства, чем большее человеческое переживание, но не физиологическое ощущение, вызывает контакт с таким произведение и чем более длительное время оно способно вызывать человеческое переживание у максимального количества людей, тем значительнее такое творческое произведение.

Мы максимально коротко и без аргументации перечислили самые основные положения, дающие возможность, ориентироваться в широком потоке творческих поисков, который обрушивается на современного слушателя и зрителя.

По нашему мнению, опираясь на изложенные выше положения, классификация творческих произведений может происходить по следующему принципу:

Собственно произведения искусства, задача которых развитие и совершенствование человеческой духовности. Произведения высокого профессионального мастерства и вкуса, цель которых создание красивых, изысканных вещей и произведений, улучшающих качество человеческой жизни, но не содержащих значительного человеческого переживания. Произведения, предлагающие публике отдых и развлечение. Произведения, обеспечивающие потребности жизнедеятельности современной человеческой цивилизации. (Эмблемы, реклама, торговые знаки, информационные иероглифы и т.д.). Произведения, которые используются в качестве идеологического оружия. Произведения, обслуживающие физиологические удовольствия человечества. Произведения, наносящие прямой ущерб человеческой духовности и уничтожающие человеческую душу.

Таковы общие выводы, к которым мы можем прийти, рассматривая проблему определения и классификации искусства. И, основываясь на этих выводах, мы можем вернуться к вопросу об участии России в общем, мировом процессе развития искусства и духовной культуры в ХХ веке. Упомянутые нами выше искусствоведы и публика, разделяющая их точку зрения, оценивают как великий вклад России в духовную культуру человечества творчество Кандинского, Малевича и большой группы российских авангардистов начала века. Но совершенно очевидно, что творчество этих талантливых авторов можно отнести в лучшем случае только к дизайну. Дизайн очень близок к искусству, но только близок.

Работы таких художников направлены не на развитие человеческой духовности, а на усиление декоративности цвета, удобства предметов быта, въедливости рекламы, краткости передачи информации и тому подобное. Это было не только нужно, но и совершенно необходимо в начале ХХ века, когда рождалось новое индустриальное общество. И, совершенно закономерно, многие из этих художников оказались в Баухаузе, где складывалось направление современного дизайна, и где они увлечённо работали над новыми образцами мебели, новыми формами ручек для столовых приборов, новой обувью и новыми моделями одежды. Всё это было необходимой потребностью времени в области бытовой культуры, но не имело почти никакого отношения к духовному развитию человечества. Как можно не замечать столь очевидные факты? Давайте для примера рассмотрим творчество Казимира Малевича.

В 1913 году Казимир Малевич создал свой знаменитый “Чёрный квадрат”. Это событие было описано и истолковано множество раз. В чём же заслуга Малевича? В чём его достижение? В чём нелепость толкований и оценок его творчества?

Наверное, и Архимед, и Пифагор рисовали квадрат намного раньше Малевича. Наверное, и сейчас, и много лет назад были люди, которые закрашивали квадраты, треугольники и другие геометрические фигуры разноцветными красками и ничуть не менее аккуратно, чем Малевич. И квадраты Малевича ничуть не квадратнее всех других квадратов. В чём же заслуга и новаторство Малевича?

Малевич первым вставил нарисованный квадрат в раму и выставил своё творение в экспозиции произведений изобразительного искусства. Это факт. Но сокровенный смысл такого события заключается в том, что оно не имеет никакого отношения собственно к изобразительному искусству и считать Казимира Малевича великим художником никак не возможно. Малевич, совершенно очевидно, является великим новатором, который сделал открытие принципиально важное для технологической цивилизации ХХ века.

Важнейший результат творчества Казимира Малевича – создание максимально простого изображения, которое несёт в себе очень важную информацию, и эту информацию можно прочесть мгновенно.

Если мы в одном размере, на одинаковых холстах, в одинаковых рамах, на одной стене выставочного зала и рядом расположим “Квадрат” Малевича, “Крест” Малевича, “Четыре квадрата” Малевича, “Круг” Малевича, дорожный знак “кирпич”, означающий, что въезд воспрещён, красное кольцо – дорожный знак, означающий, что сквозной проезд запрещён, красный треугольник – дорожный знак “Уступи дорогу”, белую стрелу в синем прямоугольнике – дорожный знак “Одностороннее движение” и т.д., мы вынуждены будем признать, что всё это явления одного порядка. Эти изображения представляют или могут представлять закодированную информацию, предназначенную для моментального считывания. А именно такое качество совершенно необходимо современной цивилизации. При огромных скоростях современного движения на дорогах, при огромных скоростях современных технологических процессов необходимо для выживания иметь такую азбуку современных иероглифов. Величайшая заслуга Малевича состоит в том, что он разработал изобразительный приём, позволяющий регулировать человеческие взаимоотношения при скоростных процессах современной технологической цивилизации. Результат творческих поисков Малевича не имеет никакого отношения к изобразительному искусству, занятому изучением и осмыслением человеческой духовности. Его творческие поиски целиком принадлежит области технологического иероглифа. Вспомните картину Малевича “Крестьянин-косарь”. Это готовый дорожный знак “Осторожно, впереди сенокос”. Промышленная графика, торговые знаки, производственные плакаты, эмблемы, значки – вот мир, куда органично вписывается и квадрат Малевича, и автодорожные знаки ГАИ. И в этом мире есть свои мастера, свои гении, свои выставки и свои теоретические исследования. Но это совершенно особый, свой мир. Невозможно сравнивать между собой и экспонировать в одном выставочном зале живопись Рафаэля, торговые эмблемы и отделку салонов автомобилей. Это же очевидно.

Конечно, был и художник Казимир Малевич. В 30-е годы он был вынужден вернуться к реалистической живописи. Портреты этого периода, к нашему глубокому сожалению, не дают оснований для ликования. “Портрет жены художника” 1933г. “Мужской портрет” (Н.Н. Пунин?),1933г. “Мужской портрет” (начало 30-х годов), “Автопортрет” 1933г. Все эти произведения имеют характерный профессиональный признак. Очень старательно и очень скованно изображены руки персонажей. Каждый художник знает, что способность легко и точно нарисовать человеческую руку совершенно определённо показывает профессиональные возможности автора. Руки на портретах Малевича вопиют! Великого художника и великого живописца Малевича никогда не существовало! Реально существовал Малевич – гениальный создатель изобразительного приёма технологической цивилизации ХХ столетия. Творчество Малевича – это мостик, который незаметно, но совершенно определённо, переносит художника из области духовных интересов в границы технического дизайна.

Но почему же никто из искусствоведов не подсказал нам, что основной результат творчества великого Малевича – создание основы языка производственного общения ХХ века, изобретение новых иероглифов, вмещающих максимум информации, понятных всему разноязычному человечеству и прочитываемых моментально? Наоборот, написаны и пишутся десятки исследовательских работ, в которых Малевич рассматривается именно как великий художник и живописец, создавший новое направление в области изобразительного искусства. Почему творчество этого мастера исследуется в рамках фундаментального изобразительного искусства, куда оно никак не укладывается? Зачем его супрематические работы выставляются рядом с работами художников, которые заняты совершенно другим делом? Ведь очень трудно найти чудака, который стал бы украшать своё жилище вставленными в дорогие рамы дорожными знаками автоинспекции. Чтобы избежать бессмысленных споров, непонимания и хаоса, необходимо разграничить различные формы творчества, различные области творчества, определить критерии, наконец, иметь определение, что мы называем собственно искусством, а какие произведения нужно обозначать какими-то другими словами. Если искусство – это область человеческой деятельности занятой изучением и развитием человеческой духовности, то супрематизм не имеет никакого отношения к искусству. Если искусство – это всё что угодно, то тогда не надо говорить о духовности и о вкладе в духовную культуру.

Что бы закончить наше краткое обращение к творчеству Малевича, мы остановимся ещё на двух чертах, присущих работам этого автора. И сделать это совершенно необходимо потому, что многие исследователи охотно комментируют некоторые стороны творчества художника и, как нам кажется, толкуют их слишком произвольно и тенденциозно.

Известно, что в конце двадцатых годов, уже после становления супрематизма, Малевич создал целый ряд произведений, на которых изображены стилизованные человеческие фигуры. Например, “Спортсмены” (1928-1932), “Торс в жёлтой рубашке” (1928-1932) и другие. И многие исследователи утверждают, что эти супрематические фигуры являются символами того безликого, оболваненного человека, которого создаёт или стремиться создавать социалистическое общество. Мы не можем согласиться с таким мнением по двум причинам. Во-первых, в 1928 году сделать выводы о том, какой тип человека создаёт социалистическое общество, было невозможно. Само социалистическое общество ещё не существовало. В 1922 году закончилась гражданская война. 1928 год – это год НЭПа, то есть самого, что ни на есть буржуазного способа взаимоотношений. Спустя восемь лет, в 1936 году была принята социалистическая конституция. Это событие означало завершение НЭПа и только переход к началу строительства социалистического общества. То есть ещё в 1936 году не существовало никакого фактического материала, на основании которого можно было бы делать выводы, какой тип человека будет создан социалистическим обществом. Тем более такого материала не могло существовать в 1928 году.

Но и по существу вопроса мы не можем согласиться с подобным мнением. Десять лет открытых границ, свободы слова и демократии наглядно показали, что идеология цивилизованного, демократического общества западного образца создаёт тип человека куда более оболваненного и нищего духом, чем жёстко идеологизированное социалистическое общество. Совсем недавно в такую возможность было трудно поверить, но сегодня с таким выводом согласны очень многие представители российской интеллигенции. Это особенно очевидно на примере радио и телепередач для юношества. Радио СССР передавало огромное количество произведений русской и мировой литературы, лучшие произведения театрального искусства имели свою передачу “Театр у микрофона”. Специально для юношества создавались радио сериалы, которые транслировались годами. Например “Клуб знаменитых капитанов” и многие другие. Телевидение показывало старшеклассникам фильмы “Дикая собака Динго или повесть о первой любви”, “Алые паруса”, “Прощайте голуби”, “Дети капитана Грандта” - всего не перечесть. И эти фильмы были наполнены чистыми и трогательными юношескими переживаниями. И вот в 2000 году одна из программ центрального телевидения передаёт в прямом эфире интервью с известной фотомоделью. Эта симпатичная женщина совсем недавно снялась в большом сериале “Сезон охоты”. Об этой актёрской работе лучше вообще не говорить. Но совершенно поразительными оказались её творческие планы. Сама героиня передачи рассказала зрителям примерно следующее: “Мне предложили главную роль в новом сериале для юношества. И эта роль кажется мне очень интересной. Я буду играть молодую учительницу, которую пытается изнасиловать, а потом и насилует ученик десятого класса”. Такой маленький фрагмент современной телепередачи говорит о многом. За красивыми разговорами о свободе слова, о половом воспитании, о безопасном сексе для юношества происходит фундаментальная подмена высокого человеческого чувства любви на сексуальные отношения, то есть на физиологические ощущения животного организма. А в нагрузку к такому физиологическому ощущению животного организма предлагается ещё целый набор самых низких и подлых радостей. Радость осуществлённого насилия с примесью садизма, радость торжества физической силы, радость безнаказанности, вседозволенности и цинизма. И всё это приготовлено для демократического воспитания наших детей. И не стоит себя обманывать, очевидно, что такое воспитание неизбежно должно привести к созданию нового типа человека современного цивилизованного общества. Такой человек должен быть более всего похож на физиологический организм, освобождённый от духовности и нравственности, без чести и совести, но вооружённый честолюбием, энергией и безжалостностью. Ещё в 1928 году Казимиру Малевичу пригрезилось нечто подобное, правда, с нашей точки зрения, Малевич вышел на эти образы в результате формальных поисков, а не духовного предвидения. Мы не хотим никого обидеть и, очевидно, что половое влечение есть нормальная функция человеческого организма. Более того, эротические фантазии понятны и естественны, а здоровая человеческая физиология необходима, но вспомним русского публициста и литературного критика Николая Константиновича Михайловского. Он сказал, однажды, следующее: “Даже тупорылую свинью, по самой природе своей неспособную взглянуть на небо, и ту осеняет иногда мечта, конечно, свинская”.

Приведём ещё один короткий пример из передач нашего телевидения. Недавно, оно показало интервью с очень успешным молодым издателем, полным энергии и масштабных замыслов. В его планы, в частности, входило распространение шедевров русской литературы в виде комиксов. И телеведущий радостно показал нам - зрителям и первое достижение в этой области. Им оказалось издание комикса “Анна Каренина”. Естественно, что достоинство литературы заключается никак не в сюжете. Важно слово и глубина тех человеческих взаимоотношений, которые раскрываются в процессе развития сюжета. Очевидно, что в данном случае о таких компонентах произведения искусства говорить не приходится. Но не менее жутким оказалось и изобразительное решение этого предвестника новой российской культуры. Наверное, нужно было специально брать уроки, что бы добиться такого невыразительного и слабого рисунка. Успех комиксов – точный показатель духовного убожества общества. На западе комиксы широко распространены, и этому можно только посочувствовать.

Последние десять лет, к нашему глубокому удивлению, показали, что безликие, примитивные и схематичные персонажи Малевича гораздо ближе к представителю западной массовой культуры, чем к идеологизированному человеку социалистического общества. И понятно почему. “В коммунизме есть здоровое, верное и вполне согласное с христианством понимание жизни каждого человека как служения сверхличной цели, как служения не себе, а великому целому. Но эта верная идея искажается отрицанием самостоятельной ценности и достоинства каждой человеческой личности, её духовной свободы”. Эти слова Николая Бердяева многое объясняют. Коммунистическая идеология совершает принципиальную ошибку, ставя перед собой задачу построения “Царствия Божия” на Земле, но только без Бога. Такая утопия невозможна и губительна. Но на тактическом уровне, в повседневной работе над сознанием массового человека, коммунистическая идеология ставит задачи похожие на задачи христианского общества. Современное западное общество столь же безбожно, как и коммунистическое, но его идеал – максимальный комфорт и благосостояние отдельной личности, очень часто личности ничтожной, убогой интеллектом и нищей душою, личности, которая проживает свою суетную, а иногда и подленькую жизнь. Но, как правило, обязательной чертой такого участника рыночного механизма является полное безразличие к “сверхличной цели… и великому целому”. Современное демократическое общество цивилизованных стран предлагает нам модель массового человека западной цивилизации, который каждый день меняет бельё, регулярно моется под душем и сыто чавкает в отдельном кабинете для просмотра порнографических фильмов. Малевич в своих супрематических персонажах гораздо ближе к массовому человеку цивилизованного западного общества, чем к идеологизированному гражданину социалистического государства, которое, хотя и в искажённом виде, но всё же виделось как общество, справедливое и свободное от корысти и низменности мелочных частных побуждений отдельных убогих человечков. Добавим ещё, что выживает и развивается только то общество, члены которого способны на самопожертвование ради своего общества. Граждане СССР убедительно доказали свою способность к самопожертвованию в ходе Великой Отечественной Войны и, ценою страшной жертвы, уничтожили фашизм и спасли многие народы Европы от уничтожения. Великая демократическая Франция была разгромлена немецким фашизмом в течение трёх недель.

И совершенно не случайно работы Малевича, которые мы только что рассматривали, были созданы в конце 20-х годов, то есть в момент бурного развития НЭПа, в рамках системы капиталистических отношений. И эти работы не имеют никакого отношения к человеку социалистического общества.

Второй чертой творчества Казимира Малевича, которую отмечают исследователи его произведений, и которая считается величайшим достижением этого художника, является то ощущение бездны, которое возникает при контакте с его “Чёрным квадратом”. На наш взгляд, и здесь нужно сделать определённые уточнения. Любая цветовая плоскость, имеющая форму правильной геометрической фигуры, воздействует на зрителя определённым образом. Между цветовой плоскостью и зрителем всегда устанавливается некоторая связь на уровне ощущения. Причём, эмоциональная окрашенность такой взаимосвязи зависит от цвета плоскости, а сила и глубина эмоционального ощущения проявляется наиболее определённо, если цветовая плоскость ограничена формой правильного прямоугольника близкого к квадрату. Это происходит потому, что такая форма более всего нейтральна и более всего отстранена от конкретных форм предметного мира. Именно поэтому психологический тест Люшара выполнен в виде цветных карточек прямоугольной формы, близких к квадрату. Если цветовая плоскость имеет форму круга, сила взаимодействия несколько сглаживается, такие формы как треугольник, сильно вытянутый правильный прямоугольник, эллипс, трапеция, неправильные четырёхугольники ещё более снижают силу взаимодействия. А сочетание нескольких геометрических фигур уже вызывает дополнительные ассоциации с предметным миром, и эмоциональные цветовые взаимоотношения уходят на второй план. Чёрный квадрат, по всем правилам психологии, которые использованы в тесте Люшара, несёт в себе вполне определённое эмоциональное ощущение независимо от того, кто его закрашивал, и чёрный цвет естественным образом поддерживает ощущение провала, чёрной дыры. Такое воздействие можно усилить, увеличив размер квадрата. Автор чёрной комнаты в музее Помпиду художник Франсис Пекабель догадался об этом и выкрасил в чёрный цвет целую комнату и совершил ошибку. Если бы он увеличил сам квадрат, но до таких размеров, когда ещё ощущаются границы чёрной плоскости в форме четырёхугольного прямоугольника, он оставил бы зрителя в рамках эмоционального ощущения, которое мы описали. Но художник поместил зрителя в чёрное пространство, имеющее конкретную форму предметного мира. Эмоциональная окрашенность осталась, но чистота цветового воздействия, связанная теперь с конкретной предметной формой, значительно ослабла. Поэтому “Чёрный квадрат” вызывает у зрителя вполне определённое эмоциональное и физиологическое ощущение условного обозначения провала, что и следует ожидать от дорожного знака автоинспекции, а чёрная комната при первом контакте лёгкое удивление, а потом смех и более или менее удачные шутки. Но, рассматривая эти примеры, полезно помнить, что здесь мы имеем дело только с эмоциональным ощущением, сопровождающим любую цветовую плоскость. Наличие эмоционального ощущения ещё не означает, что мы соприкоснулись именно с произведением искусства. Этого не достаточно. Поэтому наше мнение о творчестве Казимира Малевича остаётся прежним. Величайшая заслуга Малевича состоит в том, что он разработал изобразительный приём, позволяющий регулировать производственные человеческие взаимоотношения в условиях огромных скоростей современной технологической цивилизации. Результат супрематического творчества Малевича не имеет никакого отношения собственно к изобразительному искусству, которое занимается изучением, осмыслением и развитием человеческой духовности. Нельзя смешивать потребности технологического процесса с осмыслением духовных исканий человечества. Творческие достижения новатора Малевича целиком принадлежат области технического иероглифа, производственного плаката или дизайна. А великого художника – мастера изобразительного искусства Казимира Малевича никогда не существовало. Созданное Малевичем направление творчества под названием супрематизм можно отнести только к дизайну. Дизайн очень похож на изобразительное искусство, но только похож. И дизайнер, и художник пользуются карандашами, кистями и холстами, но они ставят перед собой принципиально разные задачи. Художник в своём творчестве исследует человеческую духовность. Дизайнер занят внешним оформлением предметов и окружающих пространств. Малевич талантливый новатор – дизайнер. Но Малевич довольно скромный художник и по уровню мастерства в рисунке и живописи, и по упрощённости эмоциональных ощущений в его произведениях. Поэтому говорить о творчестве Малевича, как, впрочем, и творчестве других авангардистов начала ХХ века, в связи с духовной культурой человечества просто невозможно. Такая постановка вопроса говорит только о полном непонимании существа проблемы.

Если говорить о вкладе России в духовную культуру человечества в начале ХХ века, то здесь, по нашему мнению, на первый план выходят совершенно другие имена.

И в первую очередь, в области изобразительного искусства, это Илья Ефимович Репин. Конечно, мы помним, что все основные произведения мастера принадлежат девятнадцатому столетию, но само присутствие художника такого масштаба имело колоссальное значение для окружающих. К тому же профессиональное мастерство И. Е. Репина отнюдь не иссякало всю первую треть ХХ столетия. Вспомните “Торжественное заседание Государственного Совета”. Огромный размер, десятки портретов всем известных государственных деятелей, мощный, торжественный колорит, широкий и точный мазок. Искусствовед Гароди в своей книге “Реализм без берегов” рассказывает о вершинах реалистической живописи, которые достигал примерно в эти же годы Пабло Пикассо. Такое утверждение может вызвать лишь очень снисходительную улыбку. Сравнивать профессиональное мастерство Пикассо и Репина невозможно.

Назовём ещё несколько имён русских художников, которые создавали свои произведения на рубеже ХIХ и ХХ столетия и творчество которых, по нашему мнению, имело огромное значение для развития изобразительного искусства в ХХ веке и сохраняет свой потенциал и сегодня.

Борисов – Мусатов, поиски которого в чём-то перекликаются с достижениями Гогена, но более изысканные по профессиональному мастерству и глубине духовного содержания.

Михаил Врубель, который совершенно самостоятельно, без подсказок Сезанна и гораздо раньше кубистов, создал свою пластическую систему живописного языка аналогичную кубизму, но, не можем этого не подчеркнуть и в данном случае, куда более совершенную по профессиональным качествам и более глубокую по философскому содержанию. Первый период кубизма, который называется сезанновским, имеет очевидные пластические аналогии в творчестве Врубеля. Задолго до Пикассо и Брака Михаил Врубель, используя школу Павла Чистякова и отталкиваясь от библейских эскизов Александра Иванова, выработал свою систему живописи. Поставьте рядом, например, “Даму с веером” Пикассо и “Сидящего Демона” Врубеля и вы увидите, что пластика живописи удивительно схожа. Творческая манера Врубеля использовала резкий геометрический ломающийся штрих, совмещение нескольких планов в изображении предметов, расчленение объёма на множество пересекающихся граней и плоскостей, мозаичный мазок и эмоциональные цветовые сочетания, покидающие плоскость изображаемого объекта. Многие работы Врубеля содержат все эти характерные черты, которые большинство исследователей относят исключительно к кубизму. Все эти пластические приёмы позднее были нащупаны Сезанном и только через двадцать лет использованы кубистами. Но профессиональные качества произведений Врубеля несравненно выше.

Мы не можем забыть и шедевры Архипа Куинджи, которые вообще не имеют хоть сколько-нибудь близких аналогов в западном изобразительном искусстве конца ХIХ начала ХХ века. Потоки солнечного света, которые льются из произведений мастера, производили и производят неизгладимое впечатление. Практически никому из художников не удалось создать что-либо сравнимое потому, что для такого художественного подвига нужен огромный талант, необыкновенное тональное чутьё и безупречное профессиональное умение.

Совершенно самостоятельное значение имеет и творчество Игоря Грабаря. Его произведения, несмотря на очевидные импрессионистические корни, оригинальны и наполнены исключительным живописным содержанием.

Многие российские художники работали на уровне вполне сопоставимом с этими мастерами. Вот кто составил вклад России в общечеловеческую духовную культуру начала ХХ века, а вовсе не промышленные иероглифы Малевича.

Не подходят на роль духовного вклада и декоративные поверхности Кандинского. Художникам этого направления удавалось иногда создавать очень красивые, даже изысканные по цвету и фактурам композиции, но их произведения в самом лучшем случае можно рассматривать только как талантливые эскизы обоев или декоративных обивочных тканей. В них нет, и не может быть, даже следов человеческого переживания, человеческой духовности, а, стало быть, нет и искусства. Не могут претендовать на духовную значительность и мебель конструктивистов, дизайн их столовых приборов или новые направления в моде. Не замечать этого – факт вопиющего непонимания предназначения искусства.

В середине ХХ века в западном изобразительном искусстве господствует монументальная фигура Пабло Пикассо. Пикассо приписывают создание нового современного искусства, освобождённого от предмета, сюжета и иллюстративности. На самом же деле практически все произведения художника содержат и предметы, и литературные сюжеты. Более того, кубистические произведения, из которых и следует вывод о новом современном искусстве, не только содержат литературную составляющую, но и могут существовать только при поддержке многословных и изощрённых литературных разъяснений. Сами по себе эти произведения вызывают лишь неясные физиологические ощущения и не привлекают на длительное время внимание зрителя. Новости присутствуют только в стилистике. Пикассо корёжит, уродует и расчленяет предметы, но сами предметы и иллюстративность остаются, а авторство в создании нового беспредметного и не иллюстративного искусства Пикассо никак не грозит.

Голубой период Пикассо, является, по нашему мнению, наивысшим достижением всего творчества известного автора. Это талантливые работы, но они не дают права на звание величайшего художника ХХ века. Работы голубого периода Пикассо вполне сопоставимы с произведениями известного русского художника Петрова – Водкина. Они в чём-то перекликаются даже стилистически. При этом Петров-Водкин сделал несколько очень важных открытий в области композиции. В творчестве Пикассо нет и намёка на принципиально новые композиционные решения. Не стоит говорить, что творчество Петрова-Водкина почти не известно на Западе, а пуговицы Пикассо блестят как на параде.

В России, в середине ХХ века мы обязаны вспомнить имя Павла Николаевича Филонова. Творчество этого замечательного художника исполнено глубочайшего смысла. На западе заметили работы мастера, но не поняли, какие бескрайние творческие перспективы они открывают. Филонов – единственный художник двадцатого столетия, который принципиально решил проблему множественного изображения на плоскости станковой картины. Кубисты, опираясь на творчество Сезанна, имели реальные возможности использовать стилистическую систему, позволяющую работать с множественным изображением. Но они даже не заметили таких возможностей. Филонов принципиально решил интереснейшую проблему, он создал свою стилистическую систему и приступил к конкретной разработке нового направления. К сожалению, необыкновенная тяжесть бытовых условий жизни русского гения и его преждевременная гибель вновь закрыли для изобразительного искусства эти бескрайние перспективы. Филонов подарил будущим художникам принципиальную возможность изобразить на плоскости картины всю Вселенную одновременно и с разных точек зрения. То, о чём много и красиво разговаривали кубисты, Филонов предложил в виде конкретного изобразительного приёма. Вклад этого художника в духовную культуру человечества невозможно переоценить.

Во второй половине ХХ века изобразительное искусство уступило свои позиции в общественной жизни кинематографии, а затем и телевидению. Это очевидная общемировая тенденция. По настоящему крупным явлением изобразительного искусства мирового масштаба в эти годы можно назвать, наверное, только творчество трёх великих мексиканцев. Ороско, Сикейрос и Ревейра сумели, в силу данного им таланта и объективно сложившихся обстоятельств, вывести свои произведения на уровень явления мировой культуры.

Остальные известные яркие звёзды западного изобразительного искусства в своей основе оказываются успешно проведёнными бизнес – компаниями. Они постоянно мелькают на экранах телевизоров и на обложках журналов, газеты переполнены скандальными подробностями их личной жизни и размерами их гонораров. Исследователи, вместо анализа творчества Пикассо предлагают нам собрание легенд, анекдотов и сказок о его жизни и творчестве. Вместо профессиональной оценки творчества Уорхола нам рассказывают о его гомосексуализме. Забывая о качестве произведений Фукса, нам показывают прайз-листы его выставок. То есть, вместо анализа состояния изобразительного искусства мы вынуждены оценивать результаты или успешность рекламной компании того или иного художника.

Давайте рассмотрим ещё один конкретный пример, а именно творчество Энди Уорхола, имя которого мы только что упомянули.

В мае 2001 года в Москве, в музее Изобразительного искусства им. Пушкина прошла выставка Энди Уорхола – самого известного представителя искусства поп-арта и мы получили возможность познакомиться с творчеством этого известного человека непосредственно.

Энди Уорхол окончил технологический институт Карнеги Меллона в Питсбурге в 1949 году. Получив диплом, он сразу же переехал в Нью-Йорк и приступил к работе дизайнером и художником иллюстратором в журналах мод “Глэмор”, “Харперз базар” и других. И сразу же проявилась его несомненная одарённость художника – оформителя. Талант оформителя – очевидное качество Энди Уорхола и оно присутствует во всех его работах в течение всей его жизни. Но, к сожалению, талант оформителя – единственное чем может похвастаться Энди Уорхол в области изобразительного искусства, а этого совсем недостаточно для звания выдающегося художника ХХ столетия.

Ещё в пятидесятые годы во всех кинотеатрах города Москвы и в кинотеатрах других крупных городов СССР появилась штатная должность художника – оформителя. Эта должность была заветной мечтой всех студентов художественных училищ и первых курсов художественных институтов. Работать нужно было всего один день в неделю, обычно в выходной, а зарплата составляла 80 рублей в месяц, которые были существенной прибавкой к стипендии. Работа же такого художника заключалась в следующем. Обыкновенно, каждую неделю на экране кинотеатра появлялся новый фильм. Художник получал в городском управлении кинопрокатом пачку фотографий с портретами главных героев фильма и с ключевыми сценами киносюжета из нового фильма. Потом в мастерской кинотеатра на большом планшете обтянутом белым холстом или обклеенным обойной бумагой, с помощью диапроектора, художник компоновал фотографии в единую декоративную композицию и раскрашивал эту композицию в меру своих способностей и умения. В своей работе художники использовали то широкие флейцы, то малярные валики, то торцовые кисти, а то и мастихин со шпателем. Иногда планшет закрашивался до репродуцирования фотографий, иногда после, иногда совмещались оба эти способа. Получалась огромная, цветная и часто эффектная рекламная композиция по мотивам фильма, который должен был появиться на экране кинотеатра на следующей неделе. Повторим, что очень часто такая композиция имела внушительную, яркую и эффектную форму, но это было творчество художника – оформителя. И студенты старших курсов, которые работали уже непосредственно с крупными мастерами советского изобразительного искусства, относились к такой форме творчества снисходительно – насмешливо. Частенько над художником – оформителем подсмеивались: “ А когда – то ты не очень плохо рисовал и с натуры”!

И вот, в 60-е годы, то есть спустя несколько лет, художник – оформитель Энди Уорхол из города Нью–Йорка, начал делать в точности то же самое, только на гораздо меньших размерах. И такая форма работы штатного художника-оформителя была почему-то воспринята американскими искусствоведами как новое направление в современном, причём не оформительском, а фундаментальном искусстве!

Откроем буклет, сопровождающий выставку Энди Уорхола в Москве. В нём точно, подробно и с гордостью описан творческий метод короля современного поп-арта Энди Уорхола во время его работы над портретами. Вот эта цитата: “Обычно человек, над портретом которого работал Уорхол, приходил к нему в мастерскую, где фотоаппаратом “Палароид” художник делал серию “моментальных” снимков своей будущей модели. Затем он выбирал из них фотографию, на основе которой создавал образ”. Создание образа означает здесь следующие: “…отобранная фотография увеличивалась и, методом шелкографии, изображение переносилось на холст. Уорхол либо закрашивал поверхность холста до репродуцирования или же писал масляными красками по уже репродуцированному изображению. Иногда он сочетал оба метода”.

Очевидно, что творческий метод Энди Уорхола абсолютно ничем не отличался от рутинной работы рядового художника-оформителя любого московского кинотеатра в 50-е – 80-е годы. Только в России все понимали, что это заурядная работа среднего художника-оформителя, которой не следует особенно гордиться. В США творчество такого уровня было воспринято как художественное откровение.

И сама выставка Энди Уорхола “Искусство и жизнь. (1928 – 1987 г.г.)”, и буклет к ней подготовлены для Отдела образования и культуры Государственного Департамента США Музеем Энди Уорхола – одним из четырёх музеев Карнеги в Питсбурге. При поддержке Президентского Комитета по искусству и гуманитарным наукам и проводилась в рамках официальной программы Совета Белого Дома по переходу в новое тысячелетие. Это означает максимально высокий уровень и выставки, и буклета.

Автор текста буклета – директор Музея Энди Уорхола Томас Соколовский, то есть человек не случайный в искусстве. И что же мы находим в тексте самого буклета!

Везде совершенно серьёзно говориться о живописи Уорхола и о портретной живописи Уорхола в частности. Например: “Значительное место в творчестве Энди Уорхола занимает портретная живопись – традиционная форма искусства, позволяющая показать человека и раскрыть его внутренний мир”. Что касается традиционной формы искусства, то здесь всё правильно. Но какое отношение имеет к этому Энди Уорхол?

Живописью занимались Рафаэль, Делакруа или Грабарь. Портретной живописью занимались Рокотов, Боровиковский или Рембрандт. Дизайнер Энди Уорхол раскрашивал фотографии, более или менее удачно.

Фотография сама по себе может создавать портреты на уровне самого высокого искусства. Фотографа можно сравнить с чутким снайпером, который умеет выхватить из жизни такое моментальное состояние своего героя, которое скажет о нём многое.

Художник создаёт живописное произведение, наполненное внутренним миром героя. И этот мир складывается из всего: из живописного сочетания красок и фактур, из тонального решения, из поворота головы, глубины взгляда, движения рук, окружающих предметов и так далее.

Но если взять даже самую удачную фотографию и эффектно её раскрасить мы потеряем всё! Мы потеряем эффект моментального состояния героя фотографии. И мы не приобретём тщательно и долго создаваемый живописный портретный образ.

В самом удачном случае мы можем получить умелое декоративное оформительское произведение, что мы и имеем в творчестве Энди Уорхола. Поэтому его автопортрет, одно из самых удачных произведений художника в таком жанре, более всего похож не на портретную живопись, а на товарный знак процветающей промышленной фирмы. Это и должно было случиться.

Одарённого дизайнера Энди Уорхола никак нельзя отнести к мастерам портретной живописи. Остаётся только удивляться наивности американских заказчиков, которые с энтузиазмом платили огромные деньги за раскрашивание своих увеличенных фотографий!

Томас Соколовский с восторгом описывает кинематографическое творчество Уорхола: “Вершиной ранних минималистских кинопроизведений Уорхола стал фильм “Эмпайр”, в котором он в течение 8 часов стационарной камерой снимал одно из самых высоких зданий в мире Эмпайр Стейт Билдинг. В течение восьми часов он просто фиксировал изображение этого здания, перезаряжая один за другим рулоны киноплёнки. До Уорхола ни одному из кинематографистов не приходило в голову снять фильм в реальном времени и путём увеличения продолжительности кинопроизведения добиться максимального постижения действительности”. Очень трудно понять чему так обрадовался Томас Соколовский. И почему Уорхол снимал это огромное здание только в течение всего восьми часов? Его кинематографическое произведение никак бы не изменилось от времени съёмки. Можно было снимать его 3 часа, 8 часов или 28 часов, в этом всё равно нет никакого смысла. Снимать на общем плане давно построенное и всем хорошо известное здание бессмысленно. Вот в научном кинематографе, вопреки мнению господина Соколовского, уже давно и многократно снималось и снимается множество сюжетов в реальном времени и не в течение 8 часов, а в течение нескольких суток. Например, много раз фиксировался процесс прорастания семени, рост стебля и распускание цветка. И это, в отличие от опытов Уорхола, действительно имеет смысл максимального постижения действительности. И всё это делалось задолго до творческих озарений короля поп-арта.

И, наконец, видимо для подкрепления значительности личности и творчества Энди Уорхола, в текст буклета введена маленькая главка “Искусство и сексуальность”. И в этой главке нам, разумеется, напоминают о гомосексуальности Уорхола. Не может же быть великий современный художник и без сексуальных отклонений!

Наверное, Томас Соколовский совсем не читал Канта. Поэтому напомним ему, что искусство – феномен духовного порядка, а сексуальность – физиологическое отправление животного организма. И соединять эти два понятия невозможно, как невозможно электричество измерить килограммами.

Секс – это физиологическое отправление здорового человеческого организма. Секс невозможно отменить или запретить, как невозможно запретить систему пищеварения. Секс имеет место в человеческой жизни, в жизни обезьян, слонов, крокодилов и даже насекомых. Секс стоит в одном ряду с другими биологическими проблемами организма такими, как зубная боль, чесотка, геморрой, мочеиспускание или понос. Всё это более чем важно для физиологического самочувствия человека, но никак не соотносится с проблемами духовности или искусства.

Но гомосексуализм, действительно, имеет огромное значение и глубочайший смысл для жизни любого человека. Гомосексуализм означает приговор Создателя! Организм, поражённый гомосексуальностью, не имеет права на продолжение рода. Такому организму запрещено размножаться. Это означает, что Создатель исключает такой организм из потока жизни, выбраковывает его как неудавшийся, бесполезный или даже вредный для человечества.

Некоторым людям, поражённым бесплодием, даруется возможность оправдать своё присутствие на этой планете вкладом в духовное развитие человечества. Уорхол и здесь не преуспел. Духовное содержание банки с бобовым супом или товарного знака ничтожно. И Уорхол сам совершенно точно сформулировал содержание своей жизни и своего творчества: Фикция.

Фикция, мираж, блеф и бесплодие – вот содержание пятидесяти девяти лет жизни и творчества Энди Уорхола. Можно, конечно, сказать, что Уорхол и есть пророк убогого, биологического и бесплодного американского общества. Но с этим трудно согласиться потому, что в таком случае, мы вынуждены будем считать, что американское общество сознательно приветствует, поддерживает и оплачивает тенденцию погружения человечества в бездуховную бездну физиологических взаимоотношений животных организмов. Возможно это и так, но в это не хочется верить!

Известно мнение, что Уорхол опустил искусство до уровня американской нации. Это тоже не верно. Искусство осталось на своём достойном месте, а комиксы, торговые знаки, мода, реклама, поп-арт – на своём. Уорхол успешно и эффектно провёл личную бизнес-компанию. Он заработал крупное состояние, поднял вихрь шума и пыли и отпихнул на обочину жизни нескольких действительно значительных художников, которые, конечно же, работали в то время и в Америке. Назовём только одно имя: Эндрю Уайет. Этого замечательного художника редко вспоминают, а значение его творчества много выше шумных успехов Энди Уорхола.

Красиво подкрашенные мыльные пузыри вытесняют из области внимания общества серьёзные творческие усилия. Позиция западного искусствознания поражает своей несостоятельностью, а подмена приоритета духовности в искусстве рекламным и финансовым успехом является, на самом деле, нравственным преступлением.

В российском изобразительном искусстве второй половины ХХ века мы наблюдаем совершенно другую картину. Союз художников СССР имел массу недостатков, о которых мы хорошо знаем. Имело место и идеологическое давление на направленность творчества членов союза. Но Союз художников имел, по крайней мере, одно несомненное достоинство. В Союз художников не возможно было вступить, не умея по настоящему профессионально рисовать и писать красками. Высокий профессиональный уровень членов Союза – это несомненный факт. А результатом этого факта, имеющим неоценимое значение для всей мировой духовной культуры, является сохранение в России великолепной школы реалистического изобразительного искусства. Массовый высокий уровень профессионального мастерства сохранился сегодня только в России.

Ещё два слова о творческих союзах СССР. К сожалению, сегодня многие очень талантливые, авторитетные и известные люди высказывают довольно странное мнение, что нелепо и даже смешно было иметь в СССР 10000 композиторов или 10000 писателей, или 10000 художников. По их мнению, на всей планете одновременно могут работать от силы 10 – 15 талантливых композиторов, писателей или художников. И действительно, на всей планете, наверное, работают всего несколько талантливых композиторов, писателей и художников. Но эти авторитетные и уважаемые люди почему-то упустили из виду, что несколько талантливых авторов могут появиться и работать, только если рядом с ними работают ещё несколько сотен хороших авторов, авторов средних, плохеньких и совсем плохеньких. Такие посредственные авторы создают необходимую питательную среду, готовят почву и даже потребителей великого творчества нескольких больших талантов. Без них никак не обойтись. В пустыне не могут расти только несколько великолепных платанов. Рядом с ними обязательно должны произрастать небольшие деревья, кустарники и травка. А между травкой должны ползать мушки, таракашки и букашки. Отсутствие многочисленных творческих союзов не уничтожает склок, зависти, посредственности и подлости среди творческой публики. Ситуация Моцарт – Сальери неизбежна в любых условиях. Но трудно сказать, сколько уникальных талантов погибло в недрах рыночного общества подобно Ван – Гогу. Во всяком случае, путь Ван – Гога всегда оставался открытым и при наличии творческих союзов. И тому есть множество примеров.

Высокое и массовое профессиональное мастерство, которое и обеспечивали творческие союзы, достойно уважения само по себе. Но у каждого из этих очень хороших российских художников обязательно были и есть две, пять или десять заветных работ, которые не только грамотно выполнены профессионально, но и переполнены человеческой духовностью и, конечно, являются непосредственным вкладом этих художников в общее духовное состояние нашей планеты. Не размеры гонораров, а духовный вклад и есть смысл жизни художника. Передать своё человеческое переживание другим людям и, тем самым, способствовать общему развитию человеческой духовности. Вот в чём смысл искусства. Не в экономической целесообразности, не в сексуальной свободе, не в последней модели авто и не в замке в Шотландии. И если некоторые искусствоведы не догадываются об этом, то это их несчастье.

Мало кто помнит сегодня Народного художника РСФСР, лауреата Государственной премии, Бориса Неменского. Молодым человеком он вернулся с фронта и очень скоро написал несколько небольших картин на военную тему. Одна из них была посвящена медицинской сестре в военном госпитале. Она так и называлась – “Машенька”. В этих картинах нет никаких живописных открытий, они написаны в традиционной реалистической манере. Но они наполнены человеческим переживанием. И эти маленькие работы прибавили к общечеловеческой духовности неизмеримо больше, чем все банки с бобовым супом нарисованные Энди Уорхола. О Борисе Неменском нет почти никакой литературы. Уорхол – всемирно известный художник. Борис Неменский сделал свой вклад в общечеловеческую духовность, а Энди Уорхол превратил свою жизнь и своё творчество в хорошо оплаченную фикцию. И подчеркнём ещё раз, что таких высоко профессиональных, душевных, но мало известных человечеству художников было и есть в России множество.

Мы рассматривали только состояние изобразительного искусства ХХ века. И, по нашему мнению, советское изобразительное искусство совершило настоящий подвиг и сохранило для всего человечества замечательную школу реалистического рисунка и живописи. Более того, духовное содержание советского искусства уникально. Искусство западного мира было занято в первую очередь созданием успешных финансовых предприятий, кумиров, раскрашенных мыльных пузырей, которые способны приносить солидные доходы. Советское искусство, сквозь все идеологические сложности, пыталось нести и несло человечеству значительное человеческое переживание.

Но духовная культура многопрофессиональна. “После 30-х годов Россия ничего не привнесла в мировую духовную культуру”, - утверждают наши оппоненты. Как же они забыли о музыке Шостаковича и Шнитке? Как они не заметили творчество Мстислава Ростроповича и Владимира Спивакова? Может быть, не поют уже на сценах всего мира Дмитрий Хворостовский и Владимир Атлантов? Или не было писателя Платонова и поэта Рубцова? Наверное, они не смотрели фильм “Летят журавли” и не знакомы с творчеством Андрея Тарковского? Не слышали ни одной песни времён Великой Отечественной? Советский народ ответил на нападение 41 года не только героизмом фронтовиков и мужеством в тылу. Не только созданием реактивного оружия и танков Т – 34. Главным условием победы стал массовый духовный рост целого народа. И этот духовный взрыв запечатлелся в маленьких личных записках, в дневниках, в стихах и песнях того периода. В Германии в эти годы не было создано ни одной значительной песни. Только военные марши. Наконец, нужно очень постараться, чтобы не заметить бесценное философское обоснование духовной культуры в трудах Михаила Михайловича Бахтина. Или пройти мимо замечательных исследований Алексея Фёдоровича Лосева. И более чем показательно то, что “Эстетика Возрождения” А. Ф. Лосева, изданная в 1978 году тиражом 50 000 экземпляров, была раскуплена в течении, буквально, нескольких дней. В “цивилизованных” странах так быстро раскупают комиксы. В России – филосовские трактаты глубокого принципиального содержания. “Русская философия… знает то, что Западу неведомо, но что нужно ему и всему роду человеческому… Русская философия уходила своими корнями в жизнь русского народа; она развивалась из осмысления русскими людьми их христианско-православного наследия…”, - написал Клинтон Гарднер.

Об этом можно написать целую книгу, но уже очевидно, что искусствоведческая наука, которая принимает за вклад России в духовную культуру человечества только авангардное направление российского искусства начала ХХ века не способна понять, что единственным и достаточным признаком принадлежности творческого произведения к области искусства и духовной культуры является наличие в произведении человеческого переживания. Освоение нового, ещё не знакомого человеческого переживания приводит к развитию новых граней человеческой духовности. Это и составляет смысл и задачу искусства. Все остальные направления творческой деятельности могут быть очень похожи на произведения искусства, но, по существу, заняты уже другими проблемами, которые находятся за пределами собственно области искусства. Самые прекрасные творческие произведения, которые заметно повышают качество нашей жизни, но не затрагивают человеческого переживания и не увеличивают общей человеческой духовности, могут оказаться за границами искусства. Многие талантливые авторы обращаются прямо к человеческой физиологии и быстро добиваются успеха и финансового благополучия, но совершенно неожиданно для себя также оказываются за пределами искусства. Творческие усилия в таких направлениях никак не соприкасаются с духовной культурой. И мы можем только посочувствовать художникам и исследователям, которые не замечают столь очевидных явлений.

Но в другом случае, если эти авторы сознательно, за проценты от прибыли финансового предприятия массовой культуры, смещают акценты, путают понятия, провозглашают ложные цели и сомнительные ориентиры и, тем самым, губят человеческую духовность. В этом случае мы вновь имеем дело с нравственным преступлением.

Вся история духовной культуры укладывается в два вполне определённых направления. Конечно, есть исключения, и процесс идёт не строго поступательно, а с перебоями и зигзагами, но основная тенденция очевидна.

Западная духовная культура развивается по направлению к дизайну, к развлекательным шоу, к финансовому успеху, игнорируя любые духовные потери.

Российская тенденция, несмотря на локальные отклонения, продвигает духовную культуру к человеческому переживанию, к строительству и развитию человеческой души.

Мощное дыхание русской равнины питает всех на ней живущих. Художник способен вызвать сильное человеческое переживание, если он сам что-то остро пережил. Остро почувствовать можно только очень близкое и родное, поэтому искусство неизбежно национально. При этом под словом народ или национальность мы будем понимать не рабочих, крестьян или интеллигенцию. Народ, по нашему мнению, это изменчивая, энергетически насыщенная субстанция живой материи. В этой огромной клубящейся массе происходят бесконечные преобразования талантов, идей, мнений, вкусов, пристрастий, взглядов и оценок. Безостановочное взаимное превращение добра и зла, взаимодействие гадкого и подлого, светлого и возвышенного, непрерывное чередование низменных интересов и прекрасных душевных порывов. Как в огромном термоядерном солнечном шаре беспрерывно тёмные пятна сменяются светлыми, а впадины превращаются в возвышенности. И, наконец, из этой клубящейся бездны выбрасываются снопы лопающихся блестящих искр или мощные и яркие протуберанцы. И имена их Чайковский и Мусоргский, Пушкин и Тургенев, Чехов и Достоевский, Рахманинов и Прокофьев, Менделеев и Попов, Мамонтов и Морозов, Сеченов и Павлов, Лебедев и Столетов, Туполев и Камов, Вернадский и Королёв, Суворов и Жуков, Ушаков и Нахимов, Соловьёв и Флоренский, Шаляпин и Русланова, Павлова и Уланова, Жемчугова и Ермолова, Станиславский и Михаил Чехов, Шолохов и Платонов, Репин и Филонов, Есенин и Рубцов, и множество других. И замечательно точно написал Василий Розанов: “…единственно одна Россия и есть у нас поэт, поющий песнь всею своею жизнью, а Пушкин, Лермонтов и Толстой всего лишь типографские наборщики…”

Признавая за основной вклад в духовную культуру человечества авангардное искусство начала ХХ века, кубизм в середине столетия, концептуализм и искусство абсурда во второй половине ХХ века, мы неизбежно подменяем искусство в собственном смысле этого слова на разнообразные формы удовольствия, развлечения, на дизайн, на игру и мистификацию. И вполне очевидны истоки этого явления.

На первый взгляд невероятно, но мы вынуждены констатировать, что фундаментом такой печальной тенденции является идеология гуманизма и либерализма. Столетиями идеал свободной, всемерно развитой и гармоничной личности, которая является основной ценностью человеческого общества, стоял в центре либеральной идеологии. Столетия эти принципы лежали в основе развития человеческого общества. И сегодня гуманизм считается самой передовой идеологией, признаком цивилизованности и достойного уровня развития. И на первый взгляд трудно усомниться в этих идеалах и заметить некоторую тонкую подмену, спрятанную за ними. Почувствовать и осознать ту чудовищную катастрофу, которая ожидает человечество, если оно будет продвигаться в таком направлении и дальше.

“Время рождения гуманизма относят к концу ХIII – началу ХIV в…” (1) в Западной Европе. Основой процесса рождения гуманизма является создание культуры на основе обращения к античной философии, к античной религии, к античным религиозно мистическим учениям, античному искусству. А существом этого явления оказывается формирование культуры, противоположной традиционной христианской культуре.

Гуманистическая идеология объявляет личность отдельного человека основной ценностью, приближающейся к Богу по своему значению и по своей свободе.

А на практике это означает попытку подмены духовного идеала духовной человеческой жизни на идеал комфортного, земного, физиологического существования. То есть основной задачей существования человека оказывается предельное внимание к житейскому благополучию каждой личности и максимальное благоустройство земной человеческой жизни. А с точки зрения христианства земная человеческая жизнь имеет значение и смысл только, если в её рамках происходит развитие конкретной человеческой души и не иначе. Любая жизнь, не связанная со строительством, развитием и выращиванием бессмертной человеческой души не имеет смысла и не имеет никакой цены в буквальном значении этого слова. Но человеческая жизнь, потраченная на развитие бессмертной души становится бесценной. В таком случае её вообще невозможно оценить в рамках наших земных понятий в достаточной степени. Частная человеческая жизнь имеет ценность только для нескольких очень близких людей. Для остального человечества и для Создателя отдельная жизнь, сама по себе, без увеличения ею общечеловеческой духовности, не имеет ни значения, ни ценности. В самом лучшем случае, отдельная частная жизнь, не развивающая духовные элементы конкретной человеческой души, может иметь смысл и значение только как звено в цепочке поколений, которые, хотя бы в отдалённом будущем, дадут ощутимые ростки духовности. Но, при этом, каждая такая жизнь приобретает огромное и неоценимое значение именно как инструмент развития конкретной человеческой души. Душа же, полученная в результате прожитой жизни, имеет единственное, решающее и бесценное значение и для итога частной человеческой жизни, и для Создателя, и для всего человечества. Наша земная жизнь является испытанием, ниспосланным нам с единственной целью – исправить и улучшить нашу душу. Каждый человек получает именно ту жизнь, в которой можно наиболее эффективным образом исправить недочёты его собственной человеческой души и развить её лучшие качества. Нужно только продвигаться в правильном направлении. К несчастью, многие люди, вочеловечившись на нашей планете, принимаются энергично “улучшать” условия своего земного существования всеми доступными средствами и любыми путями. И только к концу жизни и в лучшем случае они вдруг осознают, что их время растрачено зря. Внезапно становится очевидным, что, сосредоточившись на увеличении комфорта своего существования, они не только не улучшили свои духовные качества, но, чаще всего, и значительно навредили им. Логика гуманистической идеологии сыграла с ними злую и непоправимую шутку. Оказалось, что содержание гуманистической позиции означает по своему существу откровенную тенденцию к противоборству с основным замыслом Творения.

С другой стороны, гуманистическая идеология приравнивает научные знания к религии. Более того, научное знание рассматривается как фундамент новой религии. В результате, культура и философия гуманизма приобрели черты странного смешения христианства, античной философии, оккультных и мистических наук. А в центре такого противоестественного смешения оказывается фигура человека, который, с точки зрения либералов и гуманистов, по своему значению приближается к Богу и даже заменяет Бога.

Понятно, что конечной точкой развития гуманизма стал атеизм. То есть замена Веры в Бога, верой в отсутствие Бога и верой в то, что человек способен познать мир и управлять этим миром лучше, чем Бог.

Поэтому, гуманизм можно рассматривать как орудие идеологического разрушения, в частности, традиционного христианства. В тоже время, гуманизм является орудием разрушения традиционного общества и созданием нового общества известного под названиями “гражданское общество”, “правовое государство”, “современная западная цивилизация” и так далее, а наиболее радикальные формы гуманизма, например, марксизм, ставили перед собой задачу создания идеального общества всеобщей справедливости или коммунистического общества. Конечно, это сложнейшая тема, которая требует отдельного и подробного рассмотрения. И, повторимся ещё раз, в 10 номере журнала “Подъём” за 2002 год, в статье Сергея Перевезенцева “Крах “гуманизма”” такое фундаментальное исследование предпринято. Мы позволили себе напомнить вам некоторые положения этой статьи потому, что они прямо объясняют многие тенденции развития современного искусства

Человек, приравнявший себя к Богу, принялся по своему разумению “улучшать” социальные условия своего существования, а позднее и окружающую его природу. И в конце ХХ века стало очевидным, что человек, либо откровенно, либо по существу не признающий Бога, способен только к разрушению. В результате усилий такого человека само человечество оказалось на грани самоуничтожения абсолютно со всех точек зрения. И столь же очевидным стало, что идеология гуманизма и либерализма является идеологией разрушения вообще всякого человеческого общества как организованной структуры. Эта идеология предлагает своим последователям вместо любви – секс. Вместо супружеского единения – меркантильный брачный контракт. Естественное стремление к физической культуре вытесняется профессиональным спортом, который превращает спортсменов в инвалидов, а болельщиков в банды фанатов, с которыми не в состоянии справиться воинские подразделения. Высшее проявление духовности – самопожертвование осмеивается и заменяется эгоцентризмом. Искусство подменяется преднамеренно ангажированной массовой культурой, различными шоу, комиксами и стриптизом.

Но искусство – это самая тонкая структура человеческого общества, которая неизбежно затрагивает многие тяжелейшие проблемы человечества. Искусство прямо связано с организацией человеческого общества и принимает формы, которые несут на себе отпечаток этого человеческого общества. И многочисленные факты говорят о том, что демократическое общество, построенное на идеологии гуманизма и либерализма ведёт к самоуничтожению человеческого общества.

При ужасном тоталитарном коммунистическом режиме в СССР самое страшное преступление, которое мог совершить мальчишка в школе, было курение в туалете. Через десять лет демократии в России мы имеем массовую детскую наркоманию, организованную детскую проституцию, омерзительную детскую порнографию. Это уже не слезинка Достоевского. Это океаны детских слёз и детского отчаяния. Наркомания и спид родные дети демократической цивилизации, а число человеческих жертв этих жутких явлений давно превысило число жертв политического террора всех диктаторов ХХ века вместе взятых и продолжает расти в геометрической прогрессии. А демократические авторы этого ужаса уверяют нас, что мы, наконец, вливаемся в семью цивилизованных народов. Не слишком ли страшная цена за разговоры о свободе слова, которой нигде нет и быть не может и за рассуждения о правах человека, которые, на самом деле, не соблюдаются нигде в мире. В цивилизованном демократическом обществе и свободу слова, и права человека имеют только Деньги. А чтобы получить деньги нужно совершить либо уголовное, либо нравственное преступление. Честным трудом можно заработать только на достаточный прожиточный минимум. Изнурительным честным трудом можно заработать немногим больше. Давно известно, что от трудов праведных не построить палат каменных. И в этом постулате заключён глубочайший смысл. Гражданское правовое общество западного типа вплотную приблизилось к катастрофе. Западное общество стремится к развитию технологий и комфорта, причём для небольшой части населения планеты. Руководители этого общества серьёзно полагают, что окружающая нас Вселенная создана для производства конкурентоспособных товаров. А Создатель ожидает от человечества нравственного роста. Никакое экономическое благополучие, никакие инвестиции, никакие темпы экономического роста, никакие экологические программы не смогут спасти человечество, если оно теряет нравственные качества, отказывается от духовности и с удовольствием погружается в приятную и благополучную пучину физиологических радостей. Можно каждое утро бегать трусцой, каждый день менять трусы, несколько раз в день принимать душ, тщательно пережёвывать пищу и соблюдать все правила хорошего тона. Можно гулять перед сном, аккуратно чистить зубы и посещать модные массажные кабинеты. Можно жить в роскошных апартаментах и покупать дорогие автомобили. Можно делать ещё множество совершенно разумных, престижных и приятных вещей и оставаться бесталанными, бессмысленными, недалёкими, маленькими, смешными и, в сущности, глубоко несчастными людьми. К сожалению, нравственное развитие и физиологическое или материальное благополучие - это два, почти всегда, прямо противоположных процесса. Андрей Рублёв жил в тесной и холодной монастырской келье и вместо удобного туалета (какой ужас!) пользовался двумя досками, брошенными над выгребной ямой. Но этот человек сумел достичь высочайших духовных пределов.

В основе либерального, демократического, правового и цивилизованного общества лежит частная инициатива. Движущей силой частной инициативы являются два человеческих качества – честолюбие и алчность. А проще говоря, жадность и острое желание поставить себя, любимого, выше окружающих людей. С точки зрения Христианской Истины это тяжкие грехи. А с точки зрения человеческих взаимоотношений это означает, в конечном счёте, уничтожение нравственности и духовности потому, что удовлетворить в достаточной мере алчность и честолюбие возможно, только переступив через нравственность и духовность. Это несовместимые и взаимно исключающие качества. Развитие и торжество цивилизованного гуманистического общества означает неизбежные похороны нравственности и духовности.

Человечество, прежде всего, должно заботиться о своём нравственном росте, а не о комфорте и наслаждении. Иначе оно неизбежно будет уничтожено тем или иным способом просто потому, что оно окажется ненужным Создателю.

Очень давно католики подумали, что глупо во время молитвы стоять или опускаться на колени. Гораздо приятнее сидеть на удобной скамейке и в полудрёме слушать проповеди специально приглашённого для этого служащего. И в католические храмы внесли скамейки. Спустя некоторое время людям пришло в голову, что Господу всё равно, что у них в желудке. И они освободили себя от постов. В последние десятилетия многие вдруг поняли, что дети это страшная обуза. Трудно ночами менять пелёнки, следить за школьными успехами, переживать студенческие выходки, волноваться за своего сына в армии, подбирать своим детям спутников жизни и ожидать внуков. Гораздо приятнее жить исключительно для себя. В результате западная цивилизация превратилась в общество стареющих людей, доживающих свои последние годы, в общество, которое объективно находится в состоянии процесса самоуничтожения. И катастрофической ошибкой является стремление соединиться с этим направлением развития человеческой цивилизации, пристроится к его арьергардным, отступающим подразделениям и вскочить в последний вагон поезда, несущегося в пропасть. Это тем более нелепо, бессмысленно и бесперспективно когда финал такого длинного и тяжкого пути уже очевиден.

Известно, что человек способен использовать только 3% мощности своего интеллекта. Из этого факта следуют два логических вывода. Первый говорит о том, что человеческий интеллект не мог образоваться в результате эволюции, в процессе борьбы за выживание. В результате такого процесса могут появляться только органы, которые организм использует на все 100 процентов. Иначе быть не может. То есть в результате эволюции мог получиться только такой орган, который вмещал бы в себя и использовал бы те 3% возможностей интеллекта и ни процентом больше. Это говорит о том, что человеческий интеллект сотворён отдельно от процесса эволюции. А такой факт, в свою очередь, подтверждает мнение, что окружающий нас мир сотворён. Отсюда следует второй вывод. Вполне вероятно, что процесс развития человечества планировался как процесс освоения оставшихся 97% мощности нашего интеллекта. Но человек посчитал, что ему вполне достаточно и 3%. Люди решили, что в первую очередь нужно улучшить условия своего существования и количество доступных наслаждений. Возможно, в этом и состоит смысл грехопадения человечества. Создатель попытался исправить положение. Произошло вочеловечивание на нашей планете Спасителя. Люди восприняли это как досадную помеху и устранили её в соответствии с возможностями 3% своего интеллекта. А человечество отправилось по пути технологической цивилизации к идеалам гуманизма и демократии.

Враг рода человеческого поставил себе вполне конкретную задачу. Она чётко сформулирована в одной фразе, которую вы можете найти в Коране. Такой точной формулировки нет в Библии. Но она есть в Коране. В этой фразе враг рода человеческого прямо заявляет своё намерение. Он говорит буквально следующее: “Клянусь же Твоим величием, я соблазню их всех…”!

“Я соблазню их всех”! И работа началась. Внешне, начиная с пресловутого яблока, это выглядело как предложение человечеству всё большего комфорта и всё большего наслаждения. Что, по существу, означало отказ от духовного освоения неиспользуемых человеком 97% мощностей своего интеллекта и поворот человечества от духовного совершенствования к развитию в направлении технологической цивилизации. Этот факт и составляет, возможно, смысл первородного греха.

“Я соблазню их всех”! Такой процесс мы и наблюдаем, рассматривая пути видоизменения духовной культуры человечества в ХХ веке. С каждым годом всё большее количество людей приобретает внешний лоск и приобщается к комфорту и наслаждению. И с каждым годом всё большее количество людей утрачивает духовные интересы и приближается по внутреннему состоянию к животному организму. Сегодня этот план близок к завершению.

“Я соблазню их всех”! Россия долго сопротивлялась этому натиску. Так почва нашей планеты, атмосфера и воды мирового океана всё ещё пытаются поглотить и переработать ядовитые выбросы человеческой цивилизации. Надолго ли хватит их сил и сил России?

Господи! “Возможно ли, чтобы тщетны были все мучения?” (2)

(1) Подробно эта тема рассмотрена в статье С. Перевезенцева “Крах “гуманизма””. Журнал “ПОДЪЁМ”, №10, 2002 г.

2) Герман Мелвилл “Моби Дик”